« Tous ceux qui ont continué à courir », c’est l’histoire d’une nuit sombre dans une station balnéaire, une soirée peuplée de corps anonymes dont il ne reste que des fragments. Lenny Rébéré déroule ce scénario au travers d’œuvres qui sont autant de bribes d’une déambulation nocturne oscillant entre liesse et angoisse.
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Nouvelle exposition de la collection du MacVal, « L’œil vérité » éclaire la distinction entre art moderne et contemporain et ses ambivalences. Celle-ci ne s’est pas faite immédiatement contrairement à ce que les historiennes et les historiens de l’art ont pu dire en avançant la date un peu trop commode de 1945. Preuve sur place.
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Les filles du calvaire ont le plaisir d’annoncer Je suis contre !, une exposition personnelle du duo Art Orienté Objet dans leur nouvelle galerie située au 21 rue Chapon à Paris. Après leur exposition monographique remarquée au Domaine de Chamarande cette année, Marion Laval-Jeantet & Benoît Mangin proposent à la galerie un ensemble de pièces récentes et d’installations inédites.
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C’est non loin de l’entrée des Catacombes, à la Fondation Cartier même, que Ron Meuck déploie ses cent crânes et quelques autres œuvres… On se souvient de la demi-vache de Damian Hirst ou des modelages à la Mickey de Jeff Koons, mais l’hyper-réalisme de l’Australien qui œuvre à échelle variable balaye la concurrence d’un simple coup d’œil.
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Pour sa dix-septième « Carte blanche » à un artiste contemporain, le musée Guimet invite Park Dong-Soo à s’approprier la rotonde du quatrième étage. Après Lee Bae, Kim Chong-Hak et Min Jung-Yeon, il est le quatrième plasticien coréen à faire geste et à convier le visiteur à entrer dans son univers empreint du dansaekhwa, la peinture monochrome coréenne. Et avec quel éclat !
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Avec Everything that Glitters is Gold, l’artiste dévoile, dans des décors intimes et poignants, une sélection d’œuvres explorant l’influence de la culture populaire et du lieu de naissance sur la formation de l’image de soi : une invitation à adopter un nouveau regard sur les scènes familières qui nous entourent et explorer les complexités de l’identité.
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Un mélange de structures architecturales, de cartographies cosmiques, de textiles sud-américains, de hiéroglyphes et de symboles indigènes émerge en couleurs vives et équilibrées dans les peintures d'Eamon Ore-Giron. Souvent réalisées au fusain et à la peinture minérale sur de grandes toiles de lin, ses œuvres sont enveloppantes et visionnaires, transportant le spectateur dans ses panoramas plats et géométriques.
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La peinture de Jérémy Liron est presque entièrement centrée sur le paysage, sur le thème du paysage, sur le genre paysage, sur l’image du paysage. Thème, genre, image… ces trois termes ne définissent pas la même chose. Preuve que l’artiste manie aussi bien les mots que les pinceaux.
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L’exercice est toujours périlleux pour l’artiste de vouloir expliquer ou encore situer une œuvre, son origine, sa gestation. Dans le cas précis de cette série des trois cent soixante-cinq collages, au contraire, rien de plus simple. Il y a eu, en effet, un déclencheur : la proposition de Marc-Olivier Wahler d’illustrer, pour la revue du musée d’Art et d’Histoire (MAH) de Genève, ma propre plongée dans ses collections.
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Ecrit à quatre mains sur une période de plus de deux ans, ce « podcast » littéraire rend compte de la pratique de l’art au quotidien par deux voix qui en démontent les rouages avec un humour tordant et un sens de la dérision qui en font une réflexion contemporaine sur la fuite des objets, et pas qu’artistiques. Un coup de lance-flammes salutaire sur une certaine vision de la culture de XXIe siècle.
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Avec plus de 5 000 œuvres, ses voyages dans le monde entier et sa participation à plus de 200 expositions, Pacita Abad (1946-2004) fut l'une des artistes philippines américaines les plus prolifiques et les plus appréciées. Aujourd'hui exposée au Walker Art Center de Minneapolis, sa première rétrospective présente plus de 100 œuvres aussi audacieuses que distinctives.
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Si vous avez un peu la sensation que la Macronie penche plus du côté vermoulu des 70’s que du côté d’une décroissance bio, vous aurez de suite compris le propos malicieux du duo Hippolyte Hentgen avec son Flirt ( pour un ….. avec toi, je ferais n’importe quoi… ) qui rugissait dans l’auto-radio de la 204 familiale à l’époque. Le cadre est posé, à vous Minux !
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Le Musée Picasso de Paris accueille la première exposition française de Faith Ringgold. Cette figure emblématique de l’art engagé et féministe américain, des luttes pour les droits civiques jusqu’à Black Lives Matter, autrice de célèbres ouvrages de littérature enfantine, a développé une œuvre qui relie la Harlem Renaissance à l’art actuel des jeunes artistes noirs américains.
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Le culte qui entoure William S. Burroughs donne à chacun de ses objets artistiques la valeur d’un fétiche. Mais il faut savoir dépasser ce stade idolâtre pour tâcher de mieux regarder, de mieux considérer ce que l’auteur du Festin nu (1959) met alors sous nos yeux.
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Ni carrées ni rhizomatiques, les céramiques de Claire Lindner ont un petit quelque chose d’impertinent. Quand même ! Avec une structure évoluant en permanence, dans toutes les directions horizontales, et dénuée de niveaux. On dit merci qui ? Deleuze et Guattari. Mais alors …
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Le tissu fut longtemps le matériau de prédilection d'Audrey Perzo mais désormais, elle s’intéresse principalement au verre pour sa transparence et sa fragilité. Elle aborde les lieux d’expositions dans leur globalité et intervient en cherchant à créer de nouveaux équilibres. Ses pièces opèrent telles des trouées dans l’espace et viennent créer des perspectives et des bouleversements en jouant avec les éléments architecturaux.
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Né en 1948, Philippe Cazal développe, dans les années 80, une œuvre visuellement indexée sur la mode et la publicité. Déclinant son identité en signature et en marque dès 1985, ses travaux font écho aux questionnements de l’époque et restent d’une actualité percutante. Ce sont Des œuvres… voire quelques saillies chez mfc-michèle didier.
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L'exposition "Who You Staring At?" explore les apports visuels et sonores de la "no wave", une scène artistique alternative, qui naît dans les quartiers à bas loyers du Lower Manhattan à New York en 1978. L’échec du modèle culturel et économique hippie à la toute fin des années 1960, puis les transformations commerciales de la new wave et du disco poussent les principaux acteurs du mouvement no wave à rompre avec les circuits de l’art contemporain et de l’industrie musicale.
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Surréalistes et psychologiquement fascinantes, les sculptures de A Pancake Moon se comprennent mieux en regardant la nouvelle animation stop-motion du même nom réalisée par les artistes.
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A dégager une énergie ludique, les abstractions débridées de Takesada Matsutani oscillent entre peinture et sculpture. Rétrospective chez Amine Rech jusqu’à mi-février.
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