Mari Katayama s'interroge sur les origines de ses autoportraits à la mise en scène complexe, dans lesquels elle utilise son propre corps - souvent entouré d'objets et d'environnements qu'elle a elle-même créés - comme une lentille à travers laquelle elle reflète la société.

***possession #2429***, 2022 © Mari Katayama

Adolescente, Mari Katayama était très branchée sur Myspace. "J'avais plus d'amis en ligne que dans la vie réelle", raconte l'artiste japonaise. C'était au début des années 2000, à l'apogée du boom des blogs sur Myspace, et la plateforme a joué un rôle important dans le développement de l'artiste. C'est là qu'elle a posté des photos de ses dessins, rencontré de futurs collaborateurs et, enfin, partagé ses tout premiers autoportraits.

Myspace a joué un rôle central dans la vie de la photographe, mais si elle y a consacré autant de temps, c'est en partie pour échapper à la réalité. "Lorsque je suis arrivée au lycée, mon objectif était de ne pas me faire un seul ami", explique-t-elle. Katayama est née avec une hémimélie tibiale congénitale et, à l'âge de neuf ans, elle a choisi de se faire amputer les jambes. "J'ai coupé mes deux jambes parce que je voulais marcher normalement comme tout le monde, mais quand les prothèses sont arrivées, j'ai eu l'impression d'avoir des jambes de robot", dit-elle. "Lorsque je suis arrivée au lycée, l'uniforme exigeait que je porte une jupe. Je me suis dit que si je ne pouvais plus cacher mes jambes, j'éviterais tout simplement les gens.”

***leave-taking #010***, 2021 © Mari Katayama

Le beau-père de Mme Katayama travaillait dans l'informatique et lui a acheté un PC à l'âge de 14 ans. À 15 ans, elle avait appris à coder sa propre page Myspace. "En ligne, personne ne savait que j'avais des prothèses. Ils se contentaient de regarder mon art et de me juger en fonction de cela", dit-elle. Au début, la photographie était un outil pour enregistrer et archiver son travail : des objets brodés de manière complexe, décorés de coquillages, de cristaux et d'images collées.

Au fur et à mesure qu'elle gagnait des adeptes, des photographes ont commencé à la contacter pour prendre des portraits d'elle. Elle accepte, à condition qu'ils la photographient avec son art. "Mais après coup, je me suis rendu compte que c'était moi qui figurais sur les photos, et qu'il s'agissait des objets que j'avais fabriqués, mais que l'image finale appartenait au photographe. Mon corps était devenu leur œuvre", explique-t-elle. "J'étais photographiée parce qu'ils pensaient que mon corps était un sujet intéressant, et si je ne prenais pas mes propres autoportraits, cette dynamique ne disparaîtrait jamais."

***highheels called MariK #007***, 2022 © Mari Katayama

Aujourd'hui, Katayama est mondialement connue pour ses autoportraits éblouissants, son corps étant entouré de divers objets qu'elle a fabriqués : prothèses ornées de tatouages peints, mannequins grandeur nature brodés de dentelle et de paillettes, jouets et coquillages parsemés de guirlandes lumineuses scintillantes. Son travail a été exposé dans les plus grandes institutions artistiques du monde, notamment la Maison européenne de la photographie, le Mori Art Museum et la 58e Biennale de Venise. Ce mois-ci, elle participera à une exposition collective à Foto Arsenal Vienne, qui ouvrira le 31 août, et en octobre, elle exposera ses œuvres à la Tate Modern de Londres, dans le cadre d'une exposition de sa collection permanente.

Le travail de la photographe défie les étiquettes. Le corps de Katayama est un sujet récurrent dans son travail, et si elle reconnaît sa propre présence en tant que personne handicapée, elle précise qu'il ne s'agit pas du thème déterminant de son art. Les gens qui voient mon travail me disent que je suis si forte, que j'ai tellement de courage de me montrer telle que je suis, que j'ai créé un nouveau concept de beauté - en utilisant généralement des mots à la mode comme "body positivity" (positivité du corps)", dit-elle. "Je ne fais pas mon travail dans cette optique. Mon travail ne porte pas sur les droits des personnes handicapées, mais sur la condition humaine. Je travaille sur des thèmes qui touchent tous les êtres humains, et pas seulement les personnes handicapées."

***study for caryatid #007***, 2023 © Mari Katayama

La réalisation de chacun des portraits de Katayama demande beaucoup de temps et de précision. Elle passe au moins une semaine à mettre en place l'installation et à affiner la composition, alors que la prise de vue proprement dite ne prend qu'une heure ou deux. Lorsqu'elle travaillait avec un appareil photo numérique, Katayama prenait des centaines de photos en une seule séance, mais ces dernières années, elle est passée à l'argentique. "Je ne me suis jamais vraiment souciée de la distinction entre pellicule et numérique", dit-elle, expliquant que lorsqu'elle a commencé, elle a étudié de manière intensive l'aspect technique de la photographie. Elle s'est trouvée à la fois frustrée et désillusionnée par l'industrie de la photographie, en particulier par les "vieux" qui semblaient plus intéressés par les modèles d'appareils photo et les imprimantes que par les idées qui se cachent derrière une photographie.

La photographie numérique était rapide, efficace et remplissait son rôle, mais tout a changé il y a six ans, lorsqu'elle a donné naissance à sa fille. "Le visage d'un enfant est totalement différent 30 secondes après sa naissance, cinq minutes après et même le lendemain matin. Il change presque d'heure en heure", explique-t-elle. "Je me suis rendu compte que le seul moyen de capturer véritablement ce moment était d'utiliser la lumière, l'air et la pellicule physique, et d'évoquer cet instant par le biais d'une réaction chimique". Ce changement dans sa façon de documenter sa vie personnelle a progressivement transformé sa façon de créer des œuvres d'art.”

***Calypso #002***, 2022 © Mari Katayama

Cela ne veut pas dire que son travail n'a jamais eu un côté militant. Au début de sa vingtaine, Katayama se produisait dans un bar et un client ivre lui a dit "qu'une femme n'est plus une femme lorsqu'elle ne porte pas de talons hauts". En réponse, l'artiste a collaboré avec la marque de mode italienne Sergio Rossi pour créer une paire de talons pour ses prothèses de jambes. Le projet ne concerne pas seulement l'expérience de Katayma, mais aussi les femmes, les attentes de la société et la liberté de choix.

De même, son autoportrait n'a pas pour but de récupérer son corps ou de guérir les blessures du passé. "En fait, faire ce travail me fait du mal", dit-elle. "Je ne sais pas si quelqu'un a envie de se regarder en face de cette manière. C'est comme se regarder dans un miroir et voir tous les pores de sa peau. Pour Katayama, ce n'est pas tant qu'elle ait choisi de photographier son corps, mais plutôt que ses idées l'exigent. "Je ne pense pas que quelqu'un qui se déteste à ce point devrait faire des autoportraits", dit-elle en riant. "Je ne prends pas de photos parce que je m'aime ou que je veux me regarder en face... Ce que je veux, c'est faire de l'art, et l'autoportrait est un moyen d'expression dans ce cadre. Lorsque je conceptualise un projet et que je pense à ce à quoi il va ressembler, mon corps en fait partie, alors j'inclus l'autoportrait dans mon travail."

***Thus I exist #001***, 2015 © Mari Katayama

Ce passage à un médium plus tactile est logique si l'on considère que l'artisanat constitue une part importante de sa pratique. Dans son studio de Gunma, à environ deux heures de Tokyo, Katayama stocke de grands conteneurs remplis d'accessoires, de perles et de tissus. Son approche est largement influencée par sa famille. "Dans ma famille, tout le monde est créatif", dit-elle. La mère, la grand-mère et l'arrière-grand-mère de Mme Katayama aimaient toutes coudre. Lorsqu'elle a été amputée des jambes, elle a dû porter d'énormes bottes pour marcher et ne pouvait pas porter de pantalons normaux. Sa mère lui confectionnait des vêtements spéciaux, parfois assortis. Le grand-père de Katayama était également un amateur d'art et les emmenait tous les week-ends au musée d'art local. C'est là qu'elle est tombée amoureuse des peintures de Modigliani, exposées dans des cadres métalliques décoratifs. "C'est pourquoi je décore mes propres cadres avec des coquillages et des cristaux", dit-elle. "Nous étions pauvres et nous n'avions pas d'argent, c'est pourquoi j'ai appris dès mon plus jeune âge à fabriquer plutôt qu'à acheter.”

La réalisation de chacun des portraits de Katayama demande beaucoup de temps et de précision. Elle passe au moins une semaine à mettre en place l'installation et à affiner la composition, alors que la prise de vue proprement dite ne prend qu'une heure ou deux. Lorsqu'elle travaillait avec un appareil photo numérique, Katayama prenait des centaines de photos en une seule séance, mais ces dernières années, elle est passée à l'argentique. "Je ne me suis jamais vraiment souciée de la distinction entre pellicule et numérique", dit-elle, expliquant que lorsqu'elle a commencé, elle a étudié de manière intensive l'aspect technique de la photographie. Elle s'est trouvée à la fois frustrée et désillusionnée par l'industrie de la photographie, en particulier par les "vieux" qui semblaient plus intéressés par les modèles d'appareils photo et les imprimantes que par les idées qui se cachent derrière une photographie.

La photographie numérique était rapide, efficace et remplissait son rôle, mais tout a changé il y a six ans, lorsqu'elle a donné naissance à sa fille. "Le visage d'un enfant est totalement différent 30 secondes après sa naissance, cinq minutes après et même le lendemain matin. Il change presque d'heure en heure", explique-t-elle. "Je me suis rendu compte que le seul moyen de capturer véritablement ce moment était d'utiliser la lumière, l'air et la pellicule physique, et d'évoquer cet instant par le biais d'une réaction chimique". Ce changement dans sa façon de documenter sa vie personnelle a progressivement transformé sa façon de créer des œuvres d'art.

***bystander #014***, 2016 © Mari Katayama

Katayama a aujourd'hui une trentaine d'années et a déjà produit une série impressionnante d'œuvres. Elle parle de sa pratique avec intention et éloquence, très consciente de la finalité de son travail et de ses destinataires. "C'est une chose à laquelle j'ai beaucoup réfléchi ces derniers temps", dit-elle. "J'ai l'impression de faire de l'art pour l'art... J'aime les belles choses, et je sais que l'art ne se limite pas à cela, mais si je dois faire de l'art, je veux qu'il soit beau.”

Le médium de la photographie est bien adapté à cette quête ; il lui permet d'être expressive à la fois derrière et devant l'objectif. "Je suis tout à fait consciente que cela ne fait que 10 ou 20 ans, mais mon expression photographique a tellement mûri en termes d'expérience et de connaissances. Si j'affine de plus en plus mes compétences, comme on affûte un couteau, peut-être parviendrai-je à atteindre l'apogée de la beauté que je recherche".

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Marigold Warner pour LensCulture le 4/09/2023,traduit et dité par la rédaction

Mari Katayama a choisi de faire de l'art, point.