Au XXIe siècle, la romance est une union tordue d'émotions humaines et de calculs numériques. En tant qu'individus, nous sommes encouragés à fusionner nos mondes intérieur et extérieur par le biais de la technologie, on nous dit de "partager", "aimer" et "préférer" chaque bouchée d'information qui apparaît sur l'écran devant nos yeux papillonnants.

Nous sommes bombardés par les vies éditées des autres, créant une société d'automates socialement conscients mais physiquement distants, menés sur une route jaune par des sociétés qui exploitent nos sensations pour le profit. Cela semble dystopique, mais nous nous y sommes adaptés avec une singulière facilité.

Le défi pour beaucoup est de participer à un tel monde tout en conservant une identité souveraine et une conscience critique de la façon dont l'interface que nous utilisons tente en permanence de manipuler notre psyché. Cela demande de la discipline : ne pas donner trop d'informations, ne pas trop s'emporter, ne pas confondre la dimension parallèle en ligne avec la vie réelle. Cependant, il y aura toujours des croisements, lorsque les deux dimensions entrent en collision et que la perception de l'une ou l'autre pose de réels problèmes à l'utilisateur.

Combien d'entre nous ont encore des photos numériques de leurs ex-partenaires qui hantent Facebook, par exemple ? Nous pouvons supprimer les tags, mais pouvons-nous supprimer les souvenirs aussi facilement ? Nous essayons à nouveau avec de nouvelles relations et espérons oublier l'ancien par la promesse du nouveau. On nous dit constamment de faire attention à ce que nous publions, car cela y restera pour toujours, et cela ressemble à une autre règle d'Internet. Mais ce n'est pas le cas, c'est une règle de vie en général. En fin de compte, quelle que soit la façon dont nous nous engageons dans la technologie par le biais de nos photographies ou de nos identités en ligne, il ne s'agit jamais que d'une version condensée et abrégée de notre réalité et les mêmes règles s'appliquent toujours.

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Comme le montre Matthew Swarts avec The Alternatives, nous pouvons essayer de modifier la surface, d'interférer avec les données et de perturber la superposition d'émotions et d'informations, mais nous ne pouvons pas dissiper l'idée, le "autrefois", car il "existe toujours". Alors nous nous y habituons, nous acceptons cette nouvelle réalité où les motifs informatisés interagissent avec la courbure d'une joue, où les formes solides deviennent atomisées et transparentes, où les constructions du temps et de la vérité deviennent indéfinissables. Nous nous habituons à une vie alternative.

“The Alternatives” a évolué à partir de votre précédent “projet Beth”, pouvez-vous nous parler du processus qui a permis de passer de l'un à l'autre ?

MS : Ce sont deux projets qui ont évolué à partir d'un seul et même processus de travail, entre lequel j'ai fait des aller-retours pendant plus de dix ans. Dans Photoshop, je crée des écrans à motifs à partir d'artefacts web que je collecte avec abandon. Ensuite, je dégrade, j'accentue, j'efface et je complique les écrans en les conformant à des couches de réglage masquées provenant de photographies numériques. Les masques prennent les caractéristiques des motifs et offrent une nouvelle alternative aux informations photographiques pixellisées sans couture. Dans le “projet Beth”, j'ai utilisé des papiers architecturaux et graphiques, répétés à l'infini, pour rendre doucement visible la disparition de mon ancien partenaire. Dans “The Alternatives”, j'utilise activement les illusions d'optique pour remettre en question ma perception (et celle du spectateur) de ma bien-aimée. Si les deux projets ont vu le jour en 2014, les relations qu'ils empruntent ont un an d'écart.

Avez-vous trouvé plus facile ou plus difficile de travailler avec le matériel source personnel de ce projet par rapport aux sujets de vos travaux antérieurs, comme le feuillage à Monteverde ?

MS : C'est une chose très délicate d'impliquer quelqu'un dans son travail artistique. Je me sens très vulnérable à l'idée de divulguer des informations personnelles, ou même leurs contours, mais je n'ai jamais travaillé d'une autre manière. Mon travail a toujours évolué à partir de mes préoccupations et de mes relations. Récemment, j'ai rendu cela directement visible dans une série de projets sur ma vie intime. Le seul ajustement étrange, j'ai trouvé, est de regarder comment les millisecondes d'exposition sur Internet fonctionnent et jouent.

Les images de “The Alternatives” sont assez frappantes par leur utilisation intrépide de motifs techniques et de surfaces superposées ; y a-t-il un moment dans le processus où vous pensez qu'il peut perdre son sens et devenir plus une question de style que de contenu ?

MS : C'est certainement une préoccupation majeure. Je veux que quelque chose résonne à plus de niveaux qu'une simple mode stylistique ne le permettrait.

Comme avec vos précédents portraits d'enfants atteints de cancer, vous semblez être principalement préoccupé par le fait de saper notre perception de ce qui est visible à la surface, êtes-vous d'accord avec cela ? Comment cela influence-t-il votre pratique en général ?

MS : Je suis curieux de la perception en général. Surtout, je suis curieux de sa mutabilité. Le temps et le contexte font constamment fluctuer les idées perceptives "solides" dans mon esprit. Je suis toujours à la recherche de moyens de remettre en question et de fournir d'autres idées sur la perception d'une personne ou d'une chose. Dans “The Alternatives”, j'offre littéralement d'autres possibilités de pénétrer dans l'image, si le spectateur choisit de regarder au-delà de la surface. Donc oui, il y a un fil conducteur constant dans mon travail, qui consiste à défier et à réorganiser les processus de perception, que ce soit par le biais de stratégies de documentaire social ou d'autres pratiques plus basées sur le studio.

Alors que la société dans son ensemble devient de plus en plus dépendante de la technologie numérique, pensez-vous que c'est à la photographie de capturer cela ?

MS : C'est une façon intéressante de formuler la question, mais je pense que c'est une tautologie : la photographie capte toujours notre dépendance à la technologie de toute façon, à travers ses relations indicielles avec ce que vous pensez être "réel". Dans mon travail, je suis moins préoccupé par la documentation d'une dépendance ou d'une relation à la technologie que par l'utilisation d'outils numériques pour communiquer quelque chose sur mon cœur et mon esprit. C'est une ambition plus modeste, je pense !

Quelle est l'importance de la photographie en tant qu'objet artistique pour vous, ou est-ce que l'image artistique est votre principale préoccupation ?

MS : J'ai eu la chance d'étudier avec Emmet Gowin et Abelardo Morell, deux des meilleurs tireurs d'argents américains de notre époque. Je ne peux m'empêcher d'être excessivement préoccupé par la matérialité de l'objet imprimé. J'aime faire des tirages qui sont aussi denses à lire qu'un tirage contact 8×10 pouces, même au format mural.

Lorsque vous prenez une photographie, la considérez-vous comme une base de travail, un point de départ en quelque sorte, ou cela dépend-il de chaque image ?

MS : Cela dépend de la façon dont je travaille à ce moment-là. Il y a des moments où je suis vraiment amoureux de la façon dont une photographie numérique "directe" rend le monde. À d'autres moments, je suis curieux d'utiliser l'image comme un simple point de départ pour exprimer d'autres idées sur le monde. Ce qui est bien, c'est qu'à ce stade, je ne trouve pas que ces choses soient particulièrement contradictoires : Je peux faire les deux !

Swarts se présente lui-même ainsi :

J'utilise les ordinateurs pour remettre en question certaines des choses que je fais avec des appareils photo.

Je crois en la capacité de la photographie à toucher la vérité, mais moins en l'importance que nous lui accordons pour avoir une sorte de relation indicielle avec ce qui est "réel".

Mon travail a été présenté dans le New York Times Magazine, WIRED, SLATE, GUP Magazine, FLAK photo, Conscientious Photography Magazine, Doubletake Magazine, Contact Sheet, Afterimage, Fotophile, In the Loupe, et d'autres publications. J'ai exposé mes œuvres au niveau national et international, et je suis diplômé de l'université de Princeton (où j'ai étudié l'éthique et la philosophie de la valeur) et du Massachusetts College of Art and Design (où j'ai obtenu un MFA en photographie et en imagerie numérique). J'ai enseigné au Amherst College, au Bowdoin College, au Ramapo College, à l'université du Connecticut, à l'université du Massachusetts à Boston, au Middlesex College et au Community College de Rhode Island. J'ai reçu une bourse d'études J.William Fulbright et le prix de la Ruttenberg Arts Foundation pour la meilleure nouvelle œuvre nationale en matière de portrait photographique.

Je vis et travaille à Somerville, dans le Massachusetts.

Plus sur son travail ici

Jean-Pierre Simard le 11/05/2021
Matthew Swarts - Alternatives