Plus que de la musique, de la culture. Plus que des sons, des repères d’influence qui résonnent encore ces jours-ci. Et, en plus, une propension avouée à jouer sur le multi-média avant l’heure. Excusez du peu : enter le Velvet Underground, les Beatles et Faust.

A l’occasion de la sortie du documentaire de Todd Haynes, voici un double CD conçu par le réalisateur et le superviseur musical Randall Poster. Cette B.O. comprend des morceaux connus et rares du groupe ainsi que des chansons et des spectacles qui ont influencé le Velvet Underground, notamment le doo-wop de The Diablos, le rock & roll révolutionnaire de Bo Diddley et les compositions avant-gardistes de La Monte Young.
Todd Haynes se souvient d'être entré dans un magasin de disques à Los Angeles - c'était vers 1974, il avait environ 13 ans - et d'avoir vu la pochette du Diamond Dogs de David Bowie. L'image du futur Thin White Duke qui le regardait fixement "m'a complètement effrayé, j'ai eu peur", raconte le cinéaste de Portland, dans l'Oregon.

"Mais une partie de moi se disait : 'C'est mon avenir'. C'est ce sentiment que l'on éprouve lorsqu'on tombe sur quelque chose dont on sait, d'une certaine manière, qu'il finira par changer notre vie, juste au moment où l'on n'est pas prêt à le recevoir." Il se souvient avoir eu ce même sentiment en découvrant Roxy Music, en écoutant du punk rock et en regardant des courts métrages expérimentaux des années 60, qui ont tous brouillé son ADN de la même manière.

Haynes ne pourrait pas vous dire exactement quand la musique d'un autre groupe est apparue sur son radar, le groupe qui allait combler le fossé entre le Brill building, Baudelaire et la bohème du centre-ville de New York. Il est sûr d'avoir vu des affiches de Peel Slowly & See dans le coin, et a probablement entendu leur nom une ou deux fois ; il sait qu'il a entendu les travaux solo du chanteur Lou Reed avant d'arriver à l'université. La seule chose dont il se souvienne distinctement en entendant la musique du Velvet Underground pour la première fois, c'est le sentiment d'être tombé sur la pierre de Rosette de tout ce qui a stimulé sa créativité et la culture qui l'a inspiré. "J'avais déjà été immergé dans le punk, le glam et la new wave, et j'ai eu l'impression que toute cette musique que j'écoutais depuis des années était réunie dans un seul groupe. "Vous savez, cette joie que l'on éprouve en découvrant le dénominateur commun. J'avais l'impression d'avoir trouvé la source. J'avais trouvé l'épicentre."

On dit que tous ceux qui ont vu le Velvet Underground ont monté leur propre groupe. Dans un monde parfait, tous ceux qui voient The Velvet Underground (qui sera projeté au Film Forum de New York le 13 octobre et sera diffusé en avant-première sur Apple TV+ le 15 octobre), l'extraordinaire retour sur le groupe new-yorkais phare de Haynes, ne se contenteraient pas de monter leur propre groupe, mais prendraient également une caméra. Premier documentaire du réalisateur de la capsule temporelle glam-rock Velvet Goldmine (1998) et du biopic I'm Not There de Bob-Dylan (2007), il comprend des images d'archives, des anecdotes sur les coulisses du groupe et des entretiens avec le cofondateur des Velvets, John Cale, la batteuse Maureen Tucker et de nombreux collaborateurs survivants.

Mais Haynes emprunte également aux mêmes sources que celles qui ont inspiré le groupe transgressif - le cinéma d'avant-garde, le pop art, les diverses subcultures souterraines des années 60, la rébellion rock & roll - pour raconter la brève carrière du Velvet, depuis l'époque où ils étaient le groupe maison d'Andy Warhol à la Factory (il a également été brièvement le manager du groupe) jusqu'à leur dissolution définitive quelques années plus tard. Dès le moment où le film met en scène Cale et Lou Reed qui se rencontrent par le biais d'un écran partagé, un hommage parfait au film Chelsea Girls de Warhol, on comprend qu'il s'agit d'un regard singulier et expérimental sur un groupe singulier et expérimental.

"J'ai pensé que nous n'avions pas besoin d'un film sur le Velvet Underground qui se contente de dire à quel point ils étaient formidables ; il y a des tonnes de critiques qui peuvent vous le dire", dit Haynes. "Je voulais leur rendre hommage mais, dans l'esprit du groupe, faire quelque chose de radical. Et essayer de comprendre comment trois gamins rebelles de Long Island, un musicien gallois d'avant-garde, cet étrange mannequin allemand et un Lituanien de la deuxième génération, timide et boudiné, se retrouvent à ce moment clé."

L'idée de se plonger dans un portrait de faire un groupe, et encore moins de faire un documentaire musical, n'avait jamais vraiment effleuré le cinéaste. Mais en 2017, Haynes s'est retrouvé honoré au Hammer Museum de Los Angeles, aux côtés de la musicienne Laurie Anderson. Les deux ont sympathisé ; il se trouve qu'elle venait de donner à la bibliothèque publique de Los Angeles les archives de son défunt mari Reed. Lorsque des producteurs l'ont ensuite contactée pour un portrait du Velvet, elle a suggéré Haynes. Malgré le fait qu'il n'ait jamais réalisé de documentaire, il a été immédiatement intéressé.

Le cinéaste a rapidement établi une règle : Pour les interviews, Haynes ne voulait que des personnes qui étaient présentes ou qui connaissaient personnellement Reed, la mannequin et chanteuse allemande Christa Päffgen - plus connue sous son nom de scène, Nico - et le regretté guitariste Sterling Morrison. Cale est l'un des premiers à signer. (" J'ai considéré que presque tout ce que Todd [a] fait était l'œuvre d'une "paire de mains sûres" ", dit-il par courriel, ajoutant que la participation de Haynes faisait la différence " entre une attention carnassière et la poursuite inconsciente de la beauté "). Le bassiste-organiste-vocaliste Doug Yule, qui a rejoint le groupe pour son troisième album, a refusé de participer - "C'est un écologiste, et je pense qu'il a estimé que d'autres questions urgentes nécessitaient son attention", dit Haynes - mais le chanteur de Modern Lovers, Jonathan Richman s'est assis devant la caméra. "Il a vu 60 à 80 de leurs concerts à Boston et a appris à les connaître quand il était adolescent", dit Haynes. "On aurait pu penser que le Velvet Underground se serait moqué de lui. Et au lieu de cela, ils lui ont appris à jouer de la guitare."

Après avoir parlé aux principaux intéressés et aux témoins, Haynes s'est immergé dans l'explosion de l'art qui se produisait autour du Velvet alors qu'ils commençaient à élaborer leur son sombre et bourdonnant (ce que Cale appelle "à parts égales Bo Diddley et Aaron Copland"). Il ne s'agit pas seulement des projets subversifs de Warhol, dirigés par des superstars, mais aussi du travail des cinéastes Jonas Mekas et Jack Smith, des compositeurs La Monte Young et Marian Zazeela, et d'une foule d'autres personnes qui créaient des œuvres dans l'écosphère avant-gardiste du centre de Manhattan. "Je savais que je voulais raconter cette histoire à travers le vernaculaire expérimental de la fin des années 60", explique Haynes. "À l'époque, les frontières entre le courant dominant et le courant marginal, entre l'underground et le commercial, étaient franchies. Je me suis dit : "Faisons un film qui ne soit pas une histoire orale. Faisons-en un où la musique et les images nous mènent, et non les mots.' "

Le résultat donne l'impression d'un film qui aurait pu être projeté à côté de l'une des performances de Plastic Inevitable des Velvet Underground, ou du célèbre film de Warhol sur le groupe, qu'il projetait au-dessus de lui pendant qu'il jouait - une belle émeute de sons cacophoniques, de visuels qui s'entrechoquent, de clips du groupe à son apogée et de témoignages qui replacent tout dans un contexte à 360 degrés. En d'autres termes, The Velvet Underground ressemble beaucoup à l'un des albums du groupe, où la combinaison d'éléments contrastés s'assemblent pour former quelque chose de poétique et de pervers.

"Honnêtement, même si leur musique ne m'avait pas complètement pénétré, j'aurais voulu faire un film sur eux", dit Haynes. "C'est toute cette époque, qui était si révolutionnaire, mais c'est aussi ce qu'ils essayaient de faire en réaction à cette époque également. Même dans leur petit monde, ils étaient lourds. Il s'agit d'être résistant. Il s'agit de dire non. C'est tellement important pour le rock & roll." But it’s alright !

Après les révélateurs de la vie des grandes villes américaines et de l’inconscient qui va contre ( et pas avec) pour mieux cogner à la vitre de tout ce que l’on préfère cacher, une édition en cinq cd du Let It Be des Beatles et un film à sortir nous font revenir sur le groupe de rock qui incarne le mieux la pop culture des 60’s pour l’avoir, en partie créée et fait évoluer au fil de chaque sortie entre 1963 et 1970. Rien moins !

Let It Be a d'abord été conçu comme un disque de rock-and-roll de retour aux sources et comme plate-forme permettant aux Beatles de revenir à la scène. Les répétitions ont été filmées par le réalisateur Michael Lindsay-Hogg avec des tensions s'exacerbant sous le regard des caméras. Rapidement, les projets de concerts sont abandonnés et, à l'exception de leur dernier "concert sur le toit" qui a lieu le 30 janvier 1969 au sommet du studio Apple 3 Savile Row, à Londres, aucun spectacle en direct ne se concrétise. Mais les répétitions et les sessions d'enregistrement qui suivirent pour un nouvel album furent, en fait, productives et le matériel solide. En avril 1969, le groupe sort le single Get Back et l'ingénieur Glyn Johns commence à mixer un album en vue de sa sortie. Mais lorsque les mixages de Johns sont rejetés, les Beatles passent aux sessions pour ce qui deviendra Abbey Road. En décembre, le groupe fait de nouveau appel à Johns pour assembler Get Back - cette fois, comme une bande originale de facto du film documentaire de Lindsay-Hogg. Mais lorsque l'album sort le 8 mai 1970 (cinq jours seulement avant la première du film), le titre est Let It Be et le producteur n'est ni George Martin (qui avait supervisé les sessions) ni Glyn Johns, mais Phil Spector.

John Lennon et Ringo Starr sont parmi ceux qui défendent les overdubs et le mixage typiquement grandioses de Spector, tandis que Paul McCartney et George Martin en prennent ombrage. Let It Be est le seul album des Beatles à avoir été accueilli par des critiques franchement hostiles. Mais, à la suite de la disparition du groupe en avril 1970, le LP a encore trouvé un écho auprès des auditeurs avides du dernier disque des Beatles (même s'il avait été enregistré avant Abbey Road). L'album a remporté un Grammy Award pour la meilleure musique originale écrite pour un film ou une émission de télévision (que McCartney a personnellement choisi malgré ses réticences) et le film a valu aux Beatles un Academy Award pour la meilleure musique originale.

Dans les années qui ont suivi sa sortie, les bootlegs des mixages originaux de Get Back de Glyn Johns ont proliféré. En 2003, McCartney a enfin eu l'occasion de sortir Let It Be à sa façon : Let It Be...Naked ; un remix complet de l'album, le dépouillant autant que possible de la production et des overdubs de Spector. Naked supprime "Dig It" et "Maggie Mae" et ajoute "Don't Let Me Down", la face B du single original "Get Back" produit par Martin - bien que cette version ne soit pas celle utilisée). Il a atteint le Top 10 des deux côtés de l'Atlantique.

Apple Corps livre ces jours-ci les explorations auquel l’album a donné lieu. En plus du remix de Let It Be par Giles Martin et Sam Okell (qui se rapproche du traitement de Spector), le coffret super deluxe présente 27 chutes de sessions, des alternatifs, des répétitions et des jams (la plupart mais pas tous en stéréo). On y trouve notamment les premières versions de morceaux en solo (All Things Must Pass de George Harrison, Gimme Some Truth de John Lennon), un jam avec Billy Preston sur Without a Song, des répétitions de Something, Oh ! Darling, Octopus' Garden, Polythene Pam et She Came in Through the Bathroom Window d'Abbey Road, ainsi que des versions de presque tous les morceaux de Let It Be. Le premier essai de Glyn Johns pour compiler un album, son mixage de Get Back en 1969, est présenté sur son propre disque. Le dernier CD, un EP, contient les mixages de Johns de 1970 pour "Across the Universe" et "I Me Mine", ainsi que de nouveaux mixages des versions simples de "Let It Be" et de la face B de "Get Back", "Don't Let Me Down".

Le plus choquant est peut-être que la version audio officielle tant attendue du concert complet sur le toit n'est pas incluse dans ce coffret (bien que la première interprétation de "Don't Let Me Down" sur le toit figure sur les deux disques de matériel inédit). La première prise de "I've Got a Feeling", "One After 909" et "Dig a Pony" a également été utilisée sur le LP original. (Comme le concert est inclus dans son intégralité dans le documentaire de Peter Jackson, il est possible, mais pas tout à fait probable, qu'il soit conservé pour une sortie en accompagnement du film). La face B de "Let It Be" "You Know My Name (Look Up the Number)" brille également par son absence.

Si le mythe est connu, de nouveaux détails lui donnent de quoi servir autrement les passionnés. Et puis, chevaucher le mythe, hein … 

Dans le genre passage de relais des 60’s aux 70’s les Allemands de Faust se posent là. Avec Neu, Amon DüüL, Can, Ash Ra Tempel, Tangerine Dream et Kraftwerk, on tient la quintessence du krautrock ; une appellation anglaise pour un mouvement musical spécifiquement allemand tentant d’inventer sa propre vision de la culture en évitant les poncifs rock anglo-saxons, pour proposer autre chose que l’étouffement post-nazi régnant sur place dans les 60’s.

La renommée d’un groupe se mesure à la somme des mythes, légendes et histoires qui apparaissent dans leur sillage. Ici, FAUST joue en Ligue des Champions depuis un certain temps. Peu de groupes ont été aussi innovants, influents et aussi irrépressibles que FAUST – la façon dont ils ont révolutionné l’histoire de la musique en l’espace de seulement quatre ans les place au même niveau que The Velvet Underground. Ce qui a commencé dans un bunker de Hambourg (Sternschanze) en 1970 enverrait des ondes de choc dans le monde entier. Voici la façon dont Stephen Morris (Joy Division / New Order) s’en souvient : « Le premier disque de Krautrock qui m’a marqué à tout jamais était le premier album de Faust. Le disque transparent avait l’air spectaculaire et la musique était époustouflante, pas des chansons en tant que telles, c’était quelque chose d’absolument unique, à l’opposé de tout ce que faisaient les Rolling Stones, les Beatles et autres. C’était parfait pour moi. » (cité dans : Dallach/Future Sounds, p. 485)

Ce coffret est la première collection quasi-complète des œuvres de FAUST des années 1971-1974. En plus du premier album, il comprend l’album sorti en 1972 So Far, le légendaire The Faust Tapes sorti en 1973 sur Virgin UK (« Certains ont choisi de jouer au frisbee avec le LP, d’autres ont raconté que cela avait changé leur vie » note Jean-Hervé Peron). Faust IV et, pour la toute première fois, le mythique, dit « Munich album » Punkt, que Faust avait enregistré aux Musicland Studios de Giorgio Moroder en 1974. Pour une raison ou une autre, ce dernier album n’a jamais vu le jour jusqu’à maintenant. Les albums bonus Momentaufnahme I et Momentaufnahme II contiennent également des inédits, nous offrant un aperçu fascinant de la créativité de Faust à l'époque de leur Wümme studio.

Deux singles complètent également le recueil Faust 1971-1974 : "Lieber Herr Deutschland", la démo envoyée à Polydor en 1971, déclenchant une offre de contrat de la part du label qui avait une réputation plutôt conservatrice à l’époque. Le morceau avait ensuite refait surface comme face B de leur single « Baby », un morceau qui avait été rejeté par le label précédemment mentionné. Le deuxième single est une réédition de « So Far », le premier single de Faust sur Polydor, initialement sorti en 1972.

Il n’est pas vraiment exagéré d’affirmer que FAUST a créé et baptisé un genre d’un seul coup (piste 1 sur Faust IV). Ce coffret n’est ni plus ni moins que le Saint Graal du Krautrock. Même 50 ans (ou peut-être plus encore) après avoir fait leurs premiers pas musicaux dans un bunker près de la station de Sternschanze à Hambourg, Faust sonne toujours révolutionnaire, intemporel, irrépressible et surtout, unique. Masterisé à partir des bandes originales, Faust 1971-1974 sort en édition limitée de 2000 copies vinyle et 1000 copies CD. Foncez !

Yuki Ovoui le 18/10/2021

The Velvet Underground  B.O. A Documentary Film By Todd Haynes Polygram - film à venir sur Apple TV
The Beatles Let It Be Super Deluxe - EMI , film Get Back de Peter Jackson à venir sur Disney +
FAUST - 1971-1974, 50 years of Faust Ltd. - Bureau B / Bigwax